Das selbe Bild in Graustufen (über die “Schwarz-weiß”-Funktion der digiKam-Bildbearbeitung):

Und noch einmal in “echtem” Schwarz-weiß (über die “Schwellwert”-Funktion im GIMP):

Wenn ich in diesem Tempo meine Bilder weiter bearbeite, rechne ich mit vorzeigbaren Ergebnissen am 17. Mai 2059…

Wie bei anderen Bildbearbeitungsprogrammen wohl ähnlich führen auch bei GIMP viele Wege nach Rom bzw. in diesem Fall zum Schwarz-Weiß-Bild. Die Unterschiede im Ergebnis können jedoch extrem sein. Ein Foto wie diese rote Rose schlummert sicherlich auf vielen Festplatten:

Rose in Farbe

Der Fotografensachverstand (eventuell reicht auch schon der gesunde Menschenverstand) schreit da: “Das Bild lebt von den Farbkontrasten.” Sollte man dennoch auf die wahnsinnige Idee kommen, das Bild seiner Farben zu berauben, führt der schnellste über den “Entsättigen”-Befehl (im Menü Farbe -> Entsättigen):

Rose entsättigt

Eine einzige graue Suppe, teils ist nicht mehr zu erkennen, was Blüte und was Blatt ist – irgendwie enttäuschend… Der “Entsättigen”-Befehl ist die Standard-Antwort auf die Frage “Wie bekomme ich in GIMP ein Bild schwarz-weiß?” und kennt drei Optionen (Helligkeit, Leuchtkraft und Durchschnitt), die sich darin unterscheiden, wie der Grauwert berechnet wird (Details hierzu im GIMP-Benutzerhandbuch: 5.10. Entsättigen). Wirklich überzeugen kann in diesem Beispiel allerdings keine der drei Entsättigen-Optionen.

Ein wenig anders ist das Ergebnis beim zweiten schnellen Weg über den Farbmodus (über den Befehl Bild -> Modus -> Graustufen):

Rose in Graustufen

Aber VORSICHT: Bei der Umwandlung in den Graustufen-Modus gehen die Farb- und damit Bildinformationen verloren! Ok, das sollte bei dem Namen wenig überraschen, dennoch erwähne ich es noch einmal extra. Das obige, lediglich entsättigte Bild verfügt immer noch über die Farbkanäle Rot, Gelb und Blau, könnte also in der späteren Bearbeitung also wieder mit Farbe versehen werden, z.B. mit einer Sepia-Tönung. Das funktioniert im Graustufen-Bild nicht mehr, hier reduziert es sich auf eine Skala von Schwarz (Farbwert 0) bis Weiß (Farbwert 255).

Bevor man nun bilanziert “es eignet sich halt nicht jedes Bild für Schwarz-Weiß” werfen wir doch noch einen Blick auf Weg Nr.3: den Kanalmixer. Ein wenig versteckt findet sich dieser im Menü unter Farben -> Komponenten -> Kanalmixer. Wenn man hier der Haken bei Monochrom setzt wird ein Graustufen-Bild errechnet, bei dem man zuvor noch die Helligkeitswerte der einzelnen Farbkanäle gezielt beeinflussen kann. Das Ergebnis könnte dann wie folgt aussehen:

Rote Rose in Schwarz-Weiß

Zugegeben: Dass das hier mal eine rote Rose war, ist nicht mehr nachzuvollziehen (Werte hier: Rot 100, Grün -10, Blau 10). Dafür geht die Bildwirkung nicht vollends verloren, der Farbkontrast ist ersetzt durch einen Helligkeitskontrast. Praktischerweise kann man über den Kanalmixer auch die Graustufen erhalten, die man im Modus “Graustufen” oben erhält, ohne die Farbkanäle preis zu geben (die dazu passenden Werte und Details zum Kanalmixer gibt’s im GIMP-Benutzerhandbuch: 8.14. Kanalmixer).

Der Anlass für diesen kleinen Bildbearbeitungsexkurs war ursprünglich dieses Bild:

Eagle in Farbe

Der “Entsättigen”-Befehl hat da nicht zum von mir gewünschten Ergebnis geführt:

Eagle (entsättigt nach Leuchtkraft)

Der Kanalmixer mit Monochrom-Eigenschaft liefert mir hingegen das hier:

Eagle (Kanalmixer R150 G20 B-50)

In meinen Augen um einiges kontrastreicher und interessanter. Noch besser finde ich diese, etwas extremere Variante:

Eagle (Kanalmixer R100 G-20 B-30)

In meinen Augen: spannend, kontrastreich, und (Sahnehäubchen) die Wolken, die im Original nur zu erahnen sind, sind hier sogar zu sehen.

Ein ausführliches Tutorial mit ähnlichen Mitteln, mit denen man seinen Bilder einen eindrucksvollen Infrarot-Look verpassen kann (und welche interessanten Effekte sich ergeben, wenn man wieder Farbe ins Spiel bringt), gibt es bei gimpusers.de: Tutorial: Infrarot-Effekt (Monochrom-Bilder)

Das ist tatsächlich mein Favorit und in meinen Augen eines der besten Bilder, die es von mir gibt. Als Licht diente ein Blitz indirekt über die Decke. Wirkt ernst, leicht distanziert und eine Idee arrogant – so wie ich selbst mich sehe. So ähnlich wie Nr. 2:

Etwas freundlicher, anderer Lichteinfall (diesmal Blitz indirekt über die Wand), irgendwie drängte sich mir ein anderes Format auf (quadratisch statt 3:2-Querformat). Die Reflexionen auf der Brille sollte ich bei Gelegenheit noch retuschieren, ebenso die leichten Schlagschatten neben meinem Kopf.  Mehr eine spontane Idee war Nr. 3:

Gelungen und originell wie ich finde. Bei allen drei Bildern beruhigend: So unfotogen bin ich gar nicht – ich sollte mich nur einmal auf die Suche nach einem Fotografen begeben, der mal ein paar hübsche Bildchen von mir knipst.

Beim rumprobieren mit der Bildbearbeitung hab ich dann gemerkt: in Schwarz-Weiß gefallen mir die Bilder richtig gut. Hier mein Lieblingstrio:

(…und hätte mir nicht jemand sagen können, dass ich mich beim Verschlagworten vertippt hab und meine Artikel unter “Bilbbearbeitung” einsortiert habe? Ist mir irgendwie peinlich…)

Geländerschnee Schwarz-Weiß fallend

Geländerschnee Schwarz-Weiß steigend

Wie schon einmal erwähnt habe ich die Umwandlung in Schwarz-Weiß mit ShowFoto vorgenommen (Film: KodakTrix, kein Linsenfilter), anschließend ein bisschen Filmkörnung hinzugefügt. Und beim Ergebnis teile ich De-tails Meinung: Während ich bei der farbigen Variante die fallende Version schöner finde, gefällt mir bei der Schwarz-Weiß-Variante die steigende Version besser.

Jetzt reicht es aber auch mit diesem Motiv – mal abgesehen davon, dass in Hamburg (zumindest dieses Wochenende) der Frühling eingezogen ist. Das nächste Mal gibt es frische Fotos.

Dachblick

Simples Bild, aber irgendwie finde ich, es hat etwas. Bearbeitet habe ich das Foto ausnahmsweise mal nicht mit GIMP, sondern mit showFoto, dem Fotoeditor meines Bildverwaltungsprogramms digiKam.Außer leichten Korrekturen (Horizont ausrichten, Kontrast erhöhen) mache ich mit dem Programm selten etwas, für die Umwandlung in Schwarz-Weiß hat showFoto allerdings einige nette Optionen. Unter anderem lassen sich Effekte von (analogen) Filmen simulieren, in Kombination mit einem Farbfilter-Effekt und ein bisschen Filmkörnung kommt das da oben dabei heraus – Schwarz-Weiß-Bilder erstelle ich künftig nur noch damit.

“Geknipst” trifft es wahrscheinlich wirklich am besten: Sonderlich bewusst habe ich damals noch nicht fotografiert, was für gestalterische Aspekte wie etwa die Bildaufteilung gilt, noch viel stärker jedoch für technische Aspekte – Blende und Belichtungszeit manuell einzustellen ist bei meiner Kompakten, mit der ich seinerzeit fotografiert habe, zwar möglich, aber eher umständlich. Nachdem ich die “Ebbe und Flut”-Hürde also genommen habe, war ich gestern zur richtigen Zeit am richtigen Platz:

Leicht zu erkennen: Das Foto ist anders. Uhrzeit und Datum (+ 4 Jahre) stimmen einigermaßen überein, das Schiff im Hintergrund lag damals (und gestern) nicht da. Der Bildausschnitt ist unterschiedlich, beim Remake ist mehr Hintergrund und Himmel zu sehen. Und die Helligkeitswerte sind anders. Mir persönlich gefällt es besser als das Original. Und eigentlich könnte dieser Beitrag hier zu Ende sein, aber da ich schonmal da war, wollte ich mich auch intensiver mit dem Motiv auseinandersetzen.

Eines, was ich in den letzten Jahren gelernt habe: Es lohnt sich oft, ein Motiv aus mehreren Perspektiven zu betrachten. Nicht immer ist die erste auch die beste (für alle Fälle sollte man die erstbeste aber auf jeden Fall fotografieren). Eine andere Perspektive, die mich noch überzeugen konnte, war die Seitenansicht:

Es gibt drei Bildelemente (Schienen, Wasser, die Steine als Hintergrund), wobei der Unterschied zwischen Steinen und Schienen sich allein aus der Form, kaum aus der Farbe ergibt und daher erst verzögert wahrgenommen wird. Dank der in unserem Kulturkreis allgemein anerkannten Leserichtung von links nach rechts führen die Schienen ins Wasser hinein, wohingegen sie von der anderen Seite gesehen aus dem Wasser hinaus führen würden. (Genau deshalb hab ich’s nicht fotografiert, wer sich vom Eindruck selbst überzeugen will: Bild runterladen und spiegeln.) Aber der Knaller ist das Bild irgendwie nicht…

Angeblich wirken “steigende” Linien, die von links unten nach rechts oben verlaufen, ja besser. Also, einen Schritt nach rechts gemacht, und voila:

Für mein Empfinden: Fehlanzeige. Steigende Linien vermitteln Aktivität, Bewegung, wirken positiv. Dieses Motiv ist aber nicht wirklich positiv. Normalerweise wirken Schienen als etwas unendliches, soweit der Blick reicht führen sie einfach weiter. Hier nicht. Es gibt auch keinen Prellbock, der “Stop!” signalisiert. Und selbst wenn man wollte, könnte man die Gleise nicht fortführen – wie Lia es in der Kommentaren so schön ausgedrückt hat: das Bild hat etwas endgültiges. Mehr noch: Durch den Wechsel der Bildperspektive ändert sich auch die Perspektive des Fotos im narrativen Sinn: In den ersten beiden Bildern oben wird der Betrachter viel stärker in das Bild eingebunden, durch die Perspektive ist er auf den Schienen und hat keine andere Wahl, als aufs Wasser zuzufahren. Durch die geänderte Aufnahmeperspektive ändert sich auch die Betrachterperspektive vom Teilnehmer zum Beobachter, der… ja, was eigentlich beobachtet? Es gibt kein handelndes Bildelement, was zuvor der Betrachter selbst war. Technisch gesehen ist das Bild gelungen, aber irgendwas fehlt.

Wenn, dann also so:

Hier funktioniert es mit den steigenden Linien, weil der Wagen ein Bildelement ist, dem Aktivität und Bewegung zugeschrieben werden. Mehr noch: dem Wagen wird Bewegung auf Schienen zugeschrieben, weshalb der Blick dem Schienenstrang folgt und am Bildrand im Wasser landet. Die Bildaussage lässt sich sogar ganz einfach als Satz ausdrücken und grammatikalisch analysieren: Der Wagen fährt ins Wasser. Subjekt (der Wagen), Prädikat (die Schienen), Objekt (das Wasser). Das war’s aber auch schon – die Bildaussage ist zu eindeutig und lässt kaum Spielraum für Interpretationen. (Den Begriff “Bildgrammatik” kannte ich vorher zwar nicht, aber den gibt’s schon.)

Vollkommen seine Wirkung verliert das Foto in meinen Augen aus der gegenüberliegenden Perspektive:

Irgendwie “plumpst” der Blick viel zu schnell ins Wasser, das Bild hat für mein Empfinden keine Pointe – Schenkelklopfer statt Feinsinn, Mario Barth statt Hagen Rether. Das muss doch wirklich nicht sein…

Die Alternative, die mich allerdings wirklich überzeugt, ist ein anderes Format: quer statt hoch.

Die Entscheidung, mal diese Variante zu bearbeiten, ist offen gesagt erst entstanden, während ich den Beitrag hier geschrieben habe. Die Perspektive bindet den Betrachter ein, was durch das Format, das eher dem menschlichen Sehfeld entspricht, erleichtert wird. Trotzdem hab ich die Farben herausgenommen, um die (auf mich) triste Bildwirkung zu unterstreichen. Dadurch und durch die harten Kontraste ergibt sich wieder eine leichte Distanz, die im Kontrast zu Perspektive und Format steht und so (hoffentlich) für eine gewisse Spannung sorgt. Für mich die gelungenste Umsetzung dieses Motivs.

Und für mich definitiv die intensivste Auseinandersetzung mit einem Motiv überhaupt – vor, während und nach dem Fotografieren… und jetzt hoffe ich auf reichlich Kommentare, ob ich mit meiner Bildanalyse richtig liege.

1943 wurde die Kirche bei einem Bombenangriff schwer beschädigt. Nach dem Krieg entschloss man sich, die Kirche nicht wieder aufzubauen. Die Trümmer wurden teilweise zur Uferbefestigung der Unterelbe genutzt, der Turm und einige Mauerreste jedoch blieben stehen und wurden später zu einem Mahnmal gegen den Krieg.

Nicht gerade leichte Kost für einen Fotoausflug. Und schwer, die Stimmung des Ortes auf Fotos wiederzugeben:

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